Vid tiden för fotografiets födelse var den rådande uppfattningen inom estetik att konst bara kan vara ett handgjort verk. Bilden av verkligheten, erhållen med hjälp av tekniska, fysikalisk-kemiska metoder, kunde inte ens göra anspråk på en sådan status. Och även om redan de första fotograferna, som drogs till bildens konstnärskap, visade betydande kompositorisk uppfinningsrikedom för att visa verkligheten (ibland förändrade den till oigenkännlighet), passade fotografin inte in i systemet av sociala värden och prioriteringar i rollen som en av muserna under lång tid. Men alla moderna typer av "teknisk konst" - fotografi, film, tv - har upplevt en liknande utveckling: i början av deras existens var de ett slags underhållande attraktioner, sedan tekniska medel för att överföra information, och bara i färd med att skapande av ett nytt konstnärligt språk inom ramen för dessa informations- och kommunikationssystem skedde en övergång till kommunikativa och konstnärliga funktioner. Detta betyder dock inte att problemet med förhållandet mellan fotografi och konst inte diskuterades. Den franske Thebemålaren Delaroche (1797–1856), som betonade de möjligheter som fotografiet öppnade, skrev: "Målningen dog från den dagen." Däremot hävdade en tysk tidskrift motsatsen: "... Upptäckten av fotografi är av stor betydelse för vetenskapen och mycket begränsad för konsten." 1913 publicerade Riga-tidningen för praktisk och konstnärlig fotografi "Strålar" ("Stari") en speciell artikel "Fotografi och konst", som diskuterade frågan om fotografi är en konst eller bara en praktisk, tillämpad färdighet där huvudrollen spelas besittning av teknik. Författaren till denna artikel har kommit fram till att frågan om fotografi är konst kommer att vara giltig så länge fotografi existerar. Frågan om den tekniska sidan är inte ny för konsten, bara inom fotografiet manifesterade den sig från en historiskt ny sida. Att inneha fotografisk utrustning, att bemästra färdigheten här verkar vara en lättare uppgift än att till exempel bemästra tekniken att spela ett musikinstrument. Det är denna lätthet som vilseleder kritiker av fotografi som konst. Konstnären Delaroche såg i det nya fenomenet dess konstnärliga drag och dess kraftfulla konstnärliga potential.

Under de första åren efter dess tillkomst (perioden av daguerreotypi) klassificerades fotografi av den allmänna opinionen och experter från olika kulturområden som underhållande prydnadssaker. Fotografi från denna period hade ännu inte någon dokumentär karaktär, inte heller informationsinnehåll eller frihet för ljuslösningar och fynd, det vill säga inga av de egenskaper som teorin idag anser vara avgörande för fotografi. Utvecklingen av fotografiet bestämdes till stor del av sociala behov. Framväxten av tidningsbranschen gjorde fotografi till reportage. Vid den tidpunkt då de första "rörliga bilderna" (biograf) dök upp på grundval av fotografi, var fotografiet i sig ett blygsamt dokumentärt bevis, som gav efter i uttrycksfullhet och sofistikering för måleri och grafik. Det uppstod ständigt teoretiska dispyter kring fotografi: är det möjligt att jämföra fotografi med måleri när det gäller konstnärligt värde? Är fotografi inte en degenererad målning, för vilken teknik ersätter konstnärens skicklighet? Och vice versa, är inte fotografiet en modern sorts måleri, som tar över och fördjupar dess funktioner, en modifiering av måleriet i en teknisk civilisation, som förändrar det traditionella måleriets kulturella och estetiska betydelse? Men detta är inget annat än motsatsen till två fenomen i konstnärslivet, två typer av konst, som tydligt dras mot varandra och interagerar med varandra. Fotografiet befriade måleriet från sin utilitaristiska funktion - den bildmässiga fixeringen av att det även under renässansen var en av måleriets viktigaste uppgifter. Vi kan säga att genom denna fotografering hjälpte utvecklingen av målning, bidrog till fullständig identifiering av dess unika specificitet. Men fotografiet har också tagit till sig mycket av den månghundraåriga erfarenheten av utvecklingen av konst. Själva visionen av världen "in the frame" är måleriets arv. Bildramen är den första storyboarden av verkligheten i kulturhistorien. Förkortning och konstruktion av perspektiv, betraktarens förmåga att "läsa" ett fotografi som en plan bild av ett volymetriskt utrymme – allt detta utgör det stora kulturarv som fotografiet ärvt från måleriet. Måleriets inflytande på fotografiet är enormt. Samtidigt är fotografiets uppgift tvåvärdig, tvådimensionell: å ena sidan att separera från måleriet så fullständigt som möjligt och att bestämma sina egna gränser och förmågor, sina egna detaljer, å andra sidan att bemästra den konstnärliga upplevelsen av att måla mest på sin egen grund.

Ett av de centrala problemen med att identifiera någon form av konst är problemet med dess språk. Genom att analysera historien om fotografiets bildspråk urskiljs flera perioder av dess utveckling. Till en början, på grund av den oundvikliga varaktigheten av exponeringen tidigare, föredrog fotografer att fotografera monumentala, orörliga (berg, hus). För porträtt fick modellerna frysa länge. De som porträtteras på den tidens fotografier är spända, koncentrerade. Denna första period började 1839 och fortsatte som den viktigaste i lite över ett decennium. Den andra perioden är förknippad med framväxten av ny fototeknik, som gjorde det möjligt att minska slutartiden från tiotals minuter till sekunder och samtidigt utökade möjligheterna att reflektera ett allt bredare spektrum av verklighetsobjekt. Fotograferna försökte göra hela världen omkring dem till föremål för sin fotografering. Resefotografer reste runt i många länder, började utforska inte bara utrymmen utan också det sociala livets djup, för att presentera för publiken insiktsfulla psykologiska porträtt av sina samtida från olika sociala skikt i generaliserade bilder. Fotografiets naturlighet och uppfinningsrikedom skapade en fräsch uppfattning, fascinerad av dess enkelhet.

I slutet av XIX - början av XX-talet. inom fotografi utvecklas en metod som förknippas med handens avsiktliga intrång i skapandet av ett verk - pictorialism. Det är en integrerad del av en teknisk innovation - torr teknik. Nackdelen med denna teknik (brist på rikedom av tonaliteter) kompenserades genom applicering av bläck under utskrift. När man skapade ett verk kombinerades fotografen och konstnären oftast i en person. Det fotografiska materialet betraktades som en "ord-för-ord"-översättning, som krävde konstnärlig bearbetning. Manuell intonation suddade ut den fotografiska bildens omedelbarhet. Ett försök att övervinna piktorialismens motsättningar gjordes av konstnärer som motsatte sig disharmoni och representation med en rikedom av tonaliteter, en inre musikalitet, som är organiskt inneboende i själva verkligheten, och inte påtvingad på konstgjord väg. En djup mänsklig känsla infördes i formernas förhållande utan någon redigering.

Fotografi är inte en impassiv spegel av världen, en konstnär inom fotografi kan uttrycka sin personliga inställning till fenomenet som fångas i ett fotografi genom fotograferingsvinkeln, ljusfördelningen, chiaroscuro, överföringen av naturens originalitet, förmågan att välja rätt ögonblick för fotografering etc. Fotografen är inte mindre aktiv i förhållande till estetiska mästerskapsobjekt än en konstnär i någon annan konstform. Fototekniken gör det lättare och enklare att skildra verkligheten. I detta avseende kan en tillfredsställande tillförlitlig bild erhållas med en minimal investering av tid för att bemästra fotograferingsprocessen. Detsamma kan inte sägas om målning.

Tekniska metoder för fotografering har minimerat utgifterna för mänskliga ansträngningar för att få en tillförlitlig bild: alla kan fixa sitt valda objekt. Den tekniska sidan av filmning är ansvarig för fotoutrustning. Den har sina egna traditioner och specifika parametrar för hantverk. Syftet med tekniken är dock ett annat: inte att säkerställa den fulla effekten av "imitation", utan tvärtom, intrång, målmedveten deformation av displayen för att belysa naturen och betydelsen av den mänskliga relationen till den visade.

Diskussioner om fotografiets konstnärliga natur är möjliga främst när det gäller att hitta och hävda en grundläggande likhet med traditionella konstformer (fotografi är en syntetisk innovation av 1900-talets konstnärliga kultur) och när det gäller att erkänna fotografiets grundläggande egenskaper, dess grundläggande skillnad från traditionella konstformer (fotografi är en specifik innovationskultur under XX-talet). Var och en av dessa aspekter av studien har sin egen interna logik och endast deras harmoniska kombination, och inte absolutiseringen av den ena på bekostnad av att ignorera den andra, gör det möjligt att mer eller mindre objektivt bestämma fotografins konstnärliga möjligheter och natur. Upplevelsen av skönhet, harmoni, en känsla av njutning, effekten av personligt och pedagogiskt inflytande (det senare är dock ganska svårt att isolera och fixa omedelbart och konkret) talar om verkets konstnärskap. Det speciella med fotografi som konstform är dokumentär, bildens tillförlitlighet, förmågan att föreviga ögonblicket. Genom att fokusera på det fotografiska arbetet kan man peka ut ett antal betydande egenskaper som avslöjar fotografiets egenheter. Vart och ett av de identifierade dragen i fotografiet kan åtföljas av en detaljerad kommentar. Uppgiften att definiera essensen av fotografi som en konstform består dels i att identifiera hur mycket det är möjligt att abstrahera från materialets natur och rikta "frontal" uppfattning för att skapa en konstnärlig bild, dels vad social och kulturell funktion gör den eller den konstnärliga formen , i kombination med ett visst material, det vill säga hur rent och adekvat det konstnärliga verket registreras av konstnärens självmedvetenhet, såväl som av den allmänna opinionen och teoretiska former för att förstå konstnärslivet. Det speciella med en konstnärlig bild inom fotografi är att den är en bildlig bild av dokumentär betydelse. Fotografi ger en bild som kombinerar konstnärligt uttryck med autenticitet och i en frusen bild förkroppsligar ett väsentligt ögonblick av verkligheten. De berömda fotografierna, som visar bataljonschefen, lyfta soldaterna till attack, mötet mellan hjältarna i försvaret av Brest-fästningen, kombinerar den konstnärliga kraften och betydelsen av ett historiskt dokument.

Den fotografiska bilden är som regel en iso-skiss. Fakta om livet i fotografi, nästan utan ytterligare bearbetning och förändringar, överfördes från aktivitetssfären till konstsfären. Men fotografi kan ta livsviktigt material och så att säga vända på verkligheten, vilket tvingar oss att se och uppfatta den på ett nytt sätt. Det noterade mönstret verkar i föreningspunkten mellan dess informativa-kommunikativa och kommunikativt-konstnärliga betydelse: ett naket faktum kan tillskrivas den informativa sfären, men dess konstnärliga tolkning kommer redan att vara ett fenomen av en annan ordning. Och det är fotografens estetiska inställning till det faktum att filmas som avgör det slutliga resultatet och bildens effekt.

Med tanke på fotografi från den konstnärliga sidan är det nödvändigt att uppehålla sig vid dess dokumentära karaktär. Fotografi inkluderar ett konstnärligt porträtt av en samtida och tillfälliga pressfoton (dokument) och fotoreportage. Naturligtvis är det omöjligt att kräva hög konst från varje officiellt informationsfotografi, men det är också omöjligt att bara se videoinformation och fotografiska dokument i varje mycket konstnärligt verk. Dokumentär, autenticitet, verklighet är det viktigaste inom fotografi. Denna grundläggande egenskap är orsaken till fotografiets globala inflytande på samtida kultur. Andra kvaliteter hos fotografi, dess egenskaper och deras betydelse för kulturen som helhet utkristalliseras när man jämför fotografi och vissa typer av konst. Dokumentärism är en egenskap som först trängde in i den konstnärliga kulturen med fotografiets tillkomst. Används i olika typer av konst, denna kvalitet, varje gång bryta genom sin specificitet, bildade något nytt derivat av sin egen. Från andra former av konst återvände dessa dokumentärt berikande derivat till fotografiet, och utökade och berikade inte bara den konstnärliga kulturens fond utan också möjligheterna för fotografiets estetiska praktik som konstform. Icke-konstnärligt fotografi, det vill säga dokumentärt enligt de metoder som används och journalistiskt enligt dess funktionella syfte, bär förutom informationsbelastningen också en estetisk sådan. Fotojournalistik, som ni vet, tilltalar direkt dokumentär, från födseln inneboende i fotografi och alla dess varianter. Den här egenskapen används dock på olika sätt, beroende på uppgiften. I de fall när det kommer till fotokrönikor - samvetsgrann, omfattande, protokoll-exakt information om en händelse - avslöjar inte fotografens individualitet sig själv. Det är helt underordnat fixeringen av faktumet, den ultimata tillförlitligheten av dess display. En annan sak är inom fotojournalistik. Här behandlar fotografen även verklighetens fakta, dock genomförs deras framställning i princip i författarens vision, de färgas av författarens personliga bedömning. Dokumentation och konstnärskap inom fotoområdet smälter samman, överlappar varandra. I allmänhet existerar samtida fotografi i en enhet av alla dess aspekter - ideologiskt och konstnärligt, semantiskt och uttrycksfullt, socialt och estetiskt.

Vissa aspekter av fotografiet som konstform visar sig i val av färg, konstnärlig stil, genre, bildspråk, specifika metoder för att bearbeta fotografiskt material, fotografens personliga inställning till det skapade verket etc. Färg är en av de viktigaste komponenterna av modern fotografi. Det uppstod inom fotografiet under inflytande av önskan att föra den fotografiska bilden närmare de verkliga formerna av objekt. Färg gör att fotot ser mer autentiskt ut. Denna faktor gav först upphov till behovet av färgläggningsramar och gav senare fart på utvecklingen av färgfotografi. Även här är inflytandet från måleriets traditioner betydande, där det meningsbildande färganvändningen historiskt har vuxit fram. I sina högsta prestationer har konstnärlig fotografi upprepade gånger förkastat tesen om dess bilders statiska natur. Och färg spelar en viktig roll i detta förnekande av orörlighet. Av erfarenheten av färgfotografering kan du formulera reglerna för användning av färg i fotografering. Den första av dem är att skjuta i färg endast när det är av grundläggande betydelse, när det är omöjligt att förmedla det som är avsett utan färg. Den andra regeln: symboliken för färg, ljus, spelet av toner och nyanser, ackumulerat och ackumulerat av den tidigare kulturtrenden, erfarenheten av äldre former av konst - målning, teater och senare relaterade tekniska - film och tv, kan vara används effektivt i fotografering. Tredje regeln: använd färgkontrast för att skapa semantisk kontrast. Fotografering har inte riktigt bemästrat färg än. Hon måste mer fullständigt absorbera hela världens färgpalett. Färg bör bemästras av fotografi estetiskt och bli ett medel inte bara för bilder, utan också för konceptuell förståelse av verkligheten.

Konstnärlig stil är ett särskilt problem i teorin och praktiken av fotografi. Det löses inte inom ramen för genrefrågan. I den empiriska aspekten är stilen både pastell, akvarellramar och grafiskt rigorösa fotografiska verk, och generaliserade "olje"-bilder upp till full imitation av målning på duk med fotografiska medel. Teoretiskt är stilproblemet inom estetik uppenbarligen otillräckligt utvecklat, och ändå kan det identifieras i relation till fotografi. Inom fotografi är både närvaron och frånvaron av en konstnärlig stil mycket påtaglig. På ett naturalistiskt och dokumentärt sätt kommer bilden noggrant att demonstrera alla små saker och detaljer som kommer in i linsutrymmet. Men det kommer att bli ett oorganiserat kaos av visioner. Om en sådan bild är tagen från författarens synvinkel, konstnärligt, stilistiskt arrangerad, kommer ett helt annat verk att visa sig. Riktningen, karaktären och styrkan i författarens avvikelse från "spegeln", naturalistisk, rent reflekterande fotografi bestämmer stilen i det fotografiska arbetet. Det kan vara rent individuellt eller motsvara en specifik skola, tradition, konstnärligt program. Karakteristiken för fotostilen kan vara associativ och konstnärlig.

Nära förknippad med stilproblemet är frågan om fotografiets nationella originalitet. Olika trender inom fotografi avslöjar deras beroende av den nationella kulturtraditionen i varierande grad. Så till exempel är reportage- eller etnografisk-reportagefotografi direkt relaterat till folkets kulturliv, med vardagslivets rytm, med folksjälen i dess vardagliga manifestationer. Andra riktningar, till exempel konstnärliga och konstruktiva eller dekorativa, återger nationellt innehåll i konstnärligt och estetiskt abstrakta former. Alla stilar och genrer inom fotografi, alla dess nationella skolor är baserade på mästarens specifika behärskning av världens konst.

Tiden i ramen är inte entydig, endimensionell. Här urskiljs två huvudskikt, vilka liksom är syntetiskt sammanslagna. Dessa lager är momentitet och monumentalitet, som trots sin polära relativitet är beroende av varandra. Den konstnärliga världen är en i harmonisk enhet av alla komponenter, alla detaljer i konstnärlig fotografi.

Fotokonsten förutsätter närvaron av en fotograf-konstnär. Det krävs noggrann selektivitet av honom, en speciell personlig "vision" som gör att han kan skilja det som är värt att uppmärksammas från det som är yttre, oavsiktligt och ofullständigt. Varje tagning blir inte ett konstverk och uppenbarligen ger inte varje film ett framgångsrikt fotografiskt arbete. Precis som en konstnär ständigt, dagligen gör skisser, tränar en fotokonstnär sitt öga, sin fotovision av världen. Vardagligt arbete låter dig polera tekniken för utförande och utveckla stabila principer för moralisk, etisk och estetisk inställning till möjliga objekt av fotografisk konst. En fotograf måste ha många egenskaper. Han måste vara psykolog, förstå karaktären hos den person som porträtteras, fånga ögonblicket för hans självutlämnande, kunna hitta intimt självuttryck i kroppsställning, ansiktsuttryck, ansiktsuttryck, bakgrund och presentationsvinkel för att mer fullständigt avslöja hans inre värld och hans inställning till honom. Fotografen måste ha en djup kunskap om livet, dess olika aspekter. Det är omöjligt att filma gjutning av stål i en öppen härdbutik på ett mycket konstnärligt sätt utan att förstå, åtminstone i allmänna termer, tekniken i denna process. Fotografen ska vara forskare. Att systematiskt och konsekvent arbeta med ämnet, skapa en cykel av verk, fångar mästaren inte bara dokumentära ögonblick som så småningom förvandlas till historiskt värde, inte bara skapar en informativ bank av visuella data, som, beroende på den sociologiska, etnografiska, historiska naturen, kan användas på olika sätt, skapar inte bara ett konstverk, utan agerar också som forskare av ett visst ämne och använder en så intressant och rik kunskapsteoretisk form i sin kognition och möjligheter som fotografi. Samtidigt förvandlas det till ett sätt för konstnärlig kunskap och bedömning av det fenomen som filmas.

I fotografens person bör en person av teknik och estetik förenas och syntetiseras, en person som älskar precision, klarhet och en person som fångas av en impuls av inspiration, en person av känsla och kontemplation, som kan se bilder och harmoni. Fotokonstnären fungerar som tidens krönikör, vilket ålägger honom ett särskilt ansvar. Krönikan ålägger konstnären att vara sin tids och sitt folks medborgerliga samvete, att vara filosof och historiker i en person. En fotografisk konstnär är både en konstnär och en publicist som tillfredsställer både publikens estetiska behov och dess behov av socialt betydelsefullt innehåll och information. På grund av fotografiets ungdom är fotografen grundaren av genredrag och traditioner. Ett outvecklat fält öppnar sig framför honom, där det är nödvändigt att lägga stigar och stigar, för att skissera områden som avgränsas av olika funktionella funktioner för fotografering. Estetik ger inte konstnären ett recept och garanterar inte framgång. Den ger bara riktlinjer för sökningen, vars resultat i slutändan beror på författarens talang och arbete. I slutskedet av den kreativa processen hjälper estetiken till att utveckla en konstnärlig uppskattning av fotografiet.

Kritik spelar en viktig roll i utvecklingen av fotografi, inklusive fotografernas teoretiska och kritiska tänkande. Kritik och teori, förutsatt att de är auktoritativa och kompetenta, kan stoppa amatörmässiga argument som stör och distraherar både fotografer och åskådare. För fotokritik är det viktigt att betrakta fotografiet som ett socialt och konstnärligt fenomen i sin helhet. Några aspekter av kritisk analys inkluderar: fotografins sociologi (fotografi som ett dokument från eran, fotopublicism, en metod för interpersonell kommunikation och ett sätt för masskommunikation, en journalistisk början inom fotografi; på denna grund är det möjligt att hitta och utveckla kriterier för den sociala betydelsen av ett fotografiskt verk); fotografiets kulturologi (fotografi som ett fenomen av modern kultur och dess plats i systemet av kulturella värden; inom detta område bestäms kriterierna för den kulturella betydelsen av ett fotografiskt verk); fotografins psykologi (fotografi som ett fast visuellt minne och faktorn för "närvaro" av det frånvarande; denna aspekt hjälper till att utveckla ett kriterium av personlig betydelse); gnoseologi av fotografi (valet av ett objekt och specificiteten för dess reflektion i fotografi, ovillkorlig och villkorlig i fotografi, "tillvägagångssätt" och "distans" från verkligheten i fotografi; detta är förknippat med problemet med verklighetstrogen - kriterierna för konstnärlig sanning ); fotografiets axiologi (möjligheten av en subjektiv attityd till ett objekt i fotografi, problemet med att utvärdera det som avbildas; på denna nivå bildas kriterier för att utvärdera konstnärskap); fotografiets semiotik (fotografiets språk, dess alfabet, morfologi, syntax, grammatik; här bestäms kriterierna för informationsinnehåll); fotografiets estetik (fotografi som estetiskt fenomen, fotografiets fantasifulla och konstnärliga möjligheter, världens estetiska rikedom och dess konstnärliga utveckling inom fotografiet; detta är uttrycket för kriterierna för estetisk betydelse).

Med hänsyn till de olika aspekterna av konstnärlig fotografi kan du formulera dess väsen, försöka ge en definition av fotografi. Fotografisk konst är skapandet med kemiska och tekniska medel av en visuell bild av dokumentärt värde, konstnärligt uttrycksfull och med tillförlitlighet fångar ett väsentligt ögonblick av verkligheten i en frusen bild. Flera ganska tydligt definierade riktningar utkristalliserades i fotografiet: etnografiskt-sociologiskt, reportage, affischreklam, konstnärligt-konstruktivt, dekorativt, symboliskt-konceptuellt, impressionistiskt. Vart och ett av dessa områden har sin egen specifika, tydligt definierade kulturella och kommunikativa funktion. Dessa anvisningar utesluter inte varandra. Samma fotograf arbetar oftast för flera av dem. Det är mycket viktigt att tänka på det konstnärliga fotografiets semifunktionalitet, så att till exempel inte dess konstnärligt-konstruktiva funktion utesluter den etnografisk-sociologiska och vice versa, så att fotovisionens konceptualitet går hand i hand med den nationella traditionen. Liksom all slags konst är fotografi föremål för de allmänna lagarna för utvecklingen av konstnärligt medvetande och konstnärlig syn. Den konstnärliga bilden växer historiskt utifrån den empiriskt upplevda verkligheten och speglar bildandet och utvecklingen av kulturell och semantisk förmedling mellan konstnären och omvärlden.

Utvecklingen av vilken konst som helst kan ses som självmedvetenheten om den egna kulturella funktionen, det vill säga som bildandet av konstnärlig självmedvetenhet inom ramen för en viss typ av konst. För fotografiet innebär detta att konstnären-fotografen, i kontakt med den moderna verkligheten i huvudfåran av etnografisk-sociologisk, reportage, affischfotografi, med nödvändighet fortsätter att utveckla och fördjupa den konstnärliga bilden inom ramen för symboliskt-konceptuell fotografi. I denna mening är konceptuell fotografi så att säga resultatet av den där konstnärliga livs-personliga upplevelsen, tack vare vilken fotografen blir en mästare och skapar bestående värden. Men detta innebär också något annat: alla riktningar och genrer av konstnärlig fotografi utgör de integrerade särdragen för fotografi som konstform, och endast genom att förstå egenskaperna och konstnärliga förmågorna hos var och en av dem är det möjligt att skapa en samlad och integrerad idé om fotografi som en ny, modern konstform, på sätt och vis typisk för den existerande konstförståelsen, och på något sätt göra sina egna historiska och semantiska justeringar av förståelsen av konstformernas system, inbördes samband och funktioner både inom ramen för av konstnärlig kultur och inom ramen för modern kultur i allmänhet.

Teoretiska aspekter av fotografi som en form av konst. Historien om utvecklingen av fotografi, klassificering av dess typer, medel för uttrycksfullhet i fotografi. Ett av målen med fotografi är att förmedla den inre essensen av motivet fotografi. Foton är ett arkiv av visuellt fångade ögonblick i livet och fungerar som en länk mellan generationer.

Dela ditt arbete på sociala medier

Om detta verk inte passade dig längst ner på sidan finns en lista över liknande verk. Du kan också använda sökknappen

Andra liknande verk som kan intressera dig. Wshm>
19046.		ANVÄNDNING AV BILD KONST I ESTETISK UTBILDNING AV ELEVER PÅ SPECIALSKOLA VIII TYP	4,31 MB
	Av allt ovanstående kan man anta att man genom att introducera en yngre skolbarn till mänsklighetens rikaste erfarenhet som samlats i konst, kan man uppfostra en högt moraliskt utbildad, mångsidig modern person. Den psykokorrigerande effekten av konstens inflytande på ett barn uttrycks också i det faktum att kommunikation med konst hjälper honom att rena sig från de ackumulerade negativa erfarenheterna av negativa manifestationer och att ge sig in på en ny väg av relationer med omvärlden. Konstens korrigerande möjligheter i förhållande till barnet ...
18073.		Nivån på utveckling av talfärdigheter i klassrummet när man undervisar barn genom integrering av lektioner i ryska språket, konst	203,77 KB
	Ett stort flöde av pedagogisk information, dess volym är så stor att det ibland blir svårt för en student att i tid och, viktigast av allt, hitta den nödvändiga informationen i någon riktning av vetenskaplig kunskap med hög kvalitet. Detta kommer i sin tur att göra det möjligt för praktikanter, utan hjälp av en utomstående, att använda den kunskap som behövs i livet och använda innehållet i utbildningsmaterialet i form av en helhet för att lösa en viss problemsituation. Det är möjligt att en person tidigare inte hade så många möjligheter att tillfredsställa henne. Det bör särskilt noteras att de senare är former ...
19526.		Teoretiska aspekter av kommunal styrning	18,15 kB
	Kommunalförvaltningens teoretiska aspekter. Lokala självstyrelseorgan agerar i linje med nationell politik - ekonomisk, social, miljömässig på kulturområdet etc. De flesta forskare håller fast vid synpunkten att självstyrelseorgan är makt som tillsammans med statsmakt utgör offentlig makt . Forskare betonar att även om kommunstyrelsen har rätt till en oberoende och oberoende existens från centralregeringen, bör detta oberoende inte leda till ...
1092.		TEORETISKA ASPEKTER PÅ PROBLEMET MED PERSONLIG SJÄLVAKTUALISERING	30,49 kB
	Kärnan och de viktigaste egenskaperna hos medveten självreglering Semantisk analys av termen självreglering tillåter oss att särskilja två delar i den - reglering från latinets regulre att sätta för att etablera och sig själv som indikerar att källan till reglering finns i systemet sig. I detta stycke kommer följande synpunkter på problemet med självreglering att beskrivas: ett förhållningssätt till självreglering ur fysiologisk synvinkel, teorin om självreglering O. Alltså i förhållande till en person som är en bärare av högre former av psyket, som själv accepterar målen för hans ...
19536.		Konflikthantering. Teoretiska aspekter av uppkomsten av konflikter	35,48 KB
	Den konstruktiva sidan framträder när konflikten är tillräcklig för att motivera människor. Vanligtvis för ändamål som objektivt bestäms av arten av det utförda arbetet. Utvecklingen av en sådan konflikt åtföljs av ett mer aktivt informationsutbyte, samordning av olika positioner och en önskan att förstå varandra. Under diskussionen om de skillnader som inte kan tas i beaktande, men som inte heller kan kombineras i sin befintliga form, utvecklas en kompromisslösning baserad på ett kreativt och innovativt förhållningssätt till problemet.
20941.		Teoretiska aspekter av produktkvalitetshantering på företaget	194,09 KB
	Konceptet och innehållet i produktkvalitet. Kvalitetsstandarder. Relevansen av detta ämne beror på det faktum att de kvalitetsstandarder som krävs för korrekt kvalitetsledning ständigt förändras. Detta bevisar än en gång produktkvalitetens enorma roll i utvecklingen av ett företag.
11497.		Teoretiska aspekter av att bedöma ett företags finansiella ställning	349,62 KB
	En god finansiell ställning är en effektiv användning av resurser, förmågan att fullt ut och i tid uppfylla sina förpliktelser; tillräckliga egna medel för att eliminera hög risk; goda utsikter att göra vinst, etc. ... Jämviktsresultatet belyser en ungefärlig uppskattning av mängden medel från andra i ledningen av företaget ...
7591.		... Teoretiska aspekter av att studera motivationen för yrkesverksamhet hos en defektolog5 1.	39,36 KB
	Teoretiska aspekter av att studera motivationen för en defektologs yrkesverksamhet. Begreppet motivation för en defektologs yrkesverksamhet. Grunderna i motivationen för en defektologs yrkesverksamhet i utländsk och inhemsk litteratur. En empirisk studie av motivationen för en defektologs yrkesverksamhet.
1253.		Teoretiska aspekter av att använda procedurer och funktioner i Pascal-språk	95,55 kB
	Användningen av subrutiner kan avsevärt optimera programmerarens arbete, minska mängden minne som upptas av programmet och göra programkoden mer begriplig. Att skapa anpassade menyer är en av de viktigaste frågorna i design av användargränssnitt.
18411.		Ensidig vägran att uppfylla skyldigheter: teoretiska aspekter och problem med brottsbekämpning	126,06 kB
	Ensidig vägran att fullgöra en förpliktelse på grund av avtalsbrott. Ensidig vägran att fullgöra avtalet är inte förknippat med ett brott mot avtalet och dess konsekvenser. I det här fallet är det särskilt viktigt att använda metoderna för uppsägning av avtalet enligt civilrätt och som en av sådana metoder för ensidig vägran att fullgöra avtalet. Det vill säga, utförandet av författarens kontrakt innehåller en klausul om att avstå från åtgärder för att överföra manuskriptet till andra tryckta förlag.

Disciplinabstrakt:
Folkkonst

Tema
"Fotografi är som en modern konstform."

Kompletterad av: M.S. Zakharova
Student 529 - W GROUP
Kontrolleras av: E. Streltsova

MOSKVA

2010
Innehåll:

1 fotografiets födelse

2. Mästare i fotografi

3. Ryska fotografer

4. Typer av fotografering

Slutsats

1. Fotografins födelse

Bilden(fr. fotografi från Gammal grekisk ??? / ????? - ljus och ????? - skrift; ljusmålning - målarteknikljus ) - hämta och spara en statisk bild påljuskänsligt material (fotografisk film eller fotografisk matris ) med hjälp kameror .
Ett fotografi eller ett fotografi, eller helt enkelt en ögonblicksbild, kallas också den slutliga bilden som erhålls som ett resultatfotografisk process och ses av en person direkt (det vill säga både en ram av den framkallade filmen och en bild i elektronisk eller tryckt form).

Ursprungligen född som ett sätt att fixa porträtt- eller naturbilder, utfört mycket snabbare än en konstnärs hand, fotografi trängde sedan in i alla sfärer av mänsklig aktivitet. Den fotografiska bildens objektivitet och noggrannhet gjorde den till ett av de mest effektiva sätten att visa verkligheten, det viktigaste medlet för information och dokumentation. Fotografi används flitigt inom konsten, vilket har gett upphov till begreppet konstfotografi. Det blev möjligt att prata om olikagenrer av fotografi ... Förmågan hos olika material att fånga en bild har blivit mycket efterfrågad inom olika vetenskapsgrenar, vilket avgör framväxten av vetenskaplig fotografi. Inom tekniken, inte utan fotografiets deltagande, har sådana industrier som tryckning och reprografi utvecklats. Fotografering har tagit en lika viktig plats i vardagen. Under mindre än 200 år av dess existens har världsfotografiet passerat en lång och svår väg av kontinuerlig utveckling och förbättring. Samtidigt utvecklades alla aspekter av branschen i ett organiskt sammanhang: fotografiska material och fysikalisk-kemiska processer, principerna för att ta bilder, fotografera fotografisk utrustning, genrer och kreativa tekniker.

Fotografiets födelsedatum anses vara den 7 januari 1839, då den franske fysikern D.F. Arago (1786-1853) informerade Paris Academy of Sciences om uppfinningen av konstnären och uppfinnaren L. Zh.M. Daguerre (1787-1851) av den första praktiskt acceptabla metoden för fotografering, kallad daguerreotypi av uppfinnaren. Denna process föregicks dock av experimenten från den franske uppfinnaren J.V. Niepce (1765-1833), förknippad med sökandet efter sätt att fixa bilden av föremål som erhållits under påverkan av ljus. Det första bevarade avtrycket av ett stadslandskap, gjort med en camera obscura, erhölls av honom 1826. Niepce använde en lösning av asfalt i lavendelolja som ett ljuskänsligt lager applicerat på tenn, koppar eller silverpläterade plåtar. För att försöka implementera uppfinningen skickade författaren den 28 december 1827 "Note on Heliography" och prover av hans arbete till British Royal Society. 1829 skrev Niepce på ett avtal med Daguerre om att bilda ett kommersiellt företag Niepce-Daguerre för att arbeta tillsammans för att förbättra metoden som uppfanns av Niepce och Daguerre. En fortsättning på Niepces utveckling var Daguerres efterföljande arbete, som redan 1835 upptäckte kvicksilverångans förmåga att avslöja en latent bild på en exponerad iodiserad icke-silverplatta, och 1837 kunde han fixa en synlig bild. Skillnaden i ljuskänslighet jämfört med Niepce-processen vid användning av silverklorid var 1:120.
Daguerreotypiens storhetstid går tillbaka till 1840-1860-talen. Nästan samtidigt med Daguerre, den engelske vetenskapsmannen W.G.F. Talbot (1800–1877) fick 1835 ett fotografi med sin tidigare "fotogena teckning". En betydande nackdel med "fotogen ritning" var den långa exponeringen. Likheten mellan Daguerre- och Talbot-metoderna begränsades av användningen av silverjodid som ett ljuskänsligt skikt. I övrigt var skillnaderna grundläggande: i daguerreotypien erhölls en positiv spegelreflekterande silverbild på en gång, vilket förenklade processen, men gjorde det omöjligt att få kopior, och i Talbot-kalotypen gjordes ett negativ, med vilken ev. antal utskrifter kunde göras, en tvåstegs negativ-positiv sekvens av processen realiserades - en prototyp av modern fotografi.
Varken Niepce, Daguerre eller Talbot använde termen "fotografi", som legaliserades och fick existensrätt först 1878 i Franska Akademiens ordbok. De flesta fotografihistoriker tror att termen "fotografi" användes för första gången av engelsmannen J. Herschel den 14 mars 1839. En annan version är dock känd som prioriterar Berlin-astronomen Johann von Madler (25 februari 1839).
Uppfinnaren av filmen, den amerikanske amatörfotografen G.V. Goodwin (1822-1900) ansökte 1887 om uppfinningen av "Fotografisk film och dess produktionsprocess." Introduktionen av fotografisk film, och sedan utvecklingen av J. Eastman (1854-1933) av ett fotografisystem som använder detta fotografiska material ledde till grundläggande förändringar i den fotografiska industrin, vilket gjorde fotografiet tillgängligt för masskonsumenten både tekniskt och ekonomiskt.
Därefter har fotoutrustningen förändrats markant, och framför allt i sin optiska del. Optik tog ett betydande steg framåt. Det är mångatyper av linser , som började användas för olika typer av fotografering. Mångfalden av konstnärliga uppgifter har gett fotografer behovet av ett mer subtilt, mer differentierat förhållningssätt till deras genomförande. För fotografering av landskap och arkitektur, för att uppnå "större kapacitet" av ramen, började de användavidvinkellinser , vilket visade sig vara otillämpligt för en sådan fotograferingsgenre som ett porträtt, eftersom användningen av det senare orsakar betydande förvrängning vid fotografering på nära håll. Dessutom komplexljusfilter , vilket gör det möjligt att uppnå mycket fin korrigering av visuella effekter, mästerlig kontroll av färgfixering. Men alla dessa funktioner hos moderna typer av fotodetektionsenheter förtjänar separat övervägande.

Utveckling av fotoutrustning

De första kamerorna var av betydande storlek och vikt. Till exempel, L.Zh.M. Daguerra vägde ca. 50 kg och hade måtten 30 gånger 30 gånger 50 cm. Designen av de flesta kameror under denna period var en boxkamera, som bestod av en box med ett rör som objektivet byggdes i och fokusering utfördes genom att förlänga linsen, eller en kamera bestående av två lådor som rörde sig den ena i förhållande till den andra (linsen var monterad på den ena lådans framvägg). Den fortsatta utvecklingen av fotografisk utrustning för filmning stimulerades av ett brett intresse för fotografi, vilket ledde till utvecklingen av en lättare och mer transportabel kamera, kallad vägkamera, samt andra kameror av olika typer och utförande.

Enlinsreflexkameran patenterades av engelsmannen T. Sutton 1861. Apparaterna från flera utländska företag konstruerades därefter på modellen av hans Reflex SLR-kamera. Reflexkameran med två linser uppfanns av britterna R. och J. Beck (1880). 1929 utvecklade de tyska formgivarna R. Heydicke och P. Franke SLR-kameran "Rolleiflex", som tillverkades i olika modifieringar under cirka 60 år och blev ett anmärkningsvärt steg i utvecklingen av kameraindustrin. 1955 patenterades en boxkamera som kunde placeras i en kvinnas nätmask eller i en läkarväska. För polisen utvecklade engelsmannen T. Bolas 1981 två handhållna "detektiv"-kameror (en av dem i form av en bok), som gjorde det möjligt att ta ögonblicksbilder. "Detektiv" kameror fick utseendet på väskor, kikare, klockor.
Åren 1890-1950. kameror som kallas boxkameror har blivit utbredda. Bland dem upptas en framträdande plats av Kodak-kameran (1888), som markerade början på ett nytt skede inom fotografisk teknik. Kameran gav inspelning av 100 bilder på film med en pappersbas. Efter exponeringen bearbetades filmen, trycktes och kameran laddades upp av företagets specialister (”photo finishers”). Instruktionerna för kameran sa: "... Nu är fotografering möjligt för alla. Du trycker på knappen, vi gör resten." Utseende på 1890-talet. fotografiska material med hög ljuskänslighet gav införandet av en rullfilm med ljusavskärmande papper impulser till den fortsatta utvecklingen av fototekniken, åtföljd av en övergång från relativt tunga och skrymmande boxkameror till lättare och mer miniatyrfickor med korrugerad päls. Den mest kända och tekniskt perfekta var familjen kameror av typen "Iconta" (Tyskland), varav den första gjordes 1929.
1912 tillverkade amerikanen J. Smith en småformatskamera med en ramstorlek på 24x36 mm på 35 mm film. Sedan släpptes kameror av denna typ i Frankrike (Homeos-3, 1913), Tyskland (Minograf, 1915) och andra. De hade dock ingen märkbar effekt på utvecklingen av fotoutrustning. 1913 tillverkade O. Barnak, en designingenjör på det tyska företaget E. Leitz, den första prototypen av en småformatskamera, som senare fick namnet "Pra-Leica". 1925 tillverkades den första satsen (1000 stycken) småformatskameror Leika-1 med en fokal slutare, slutartider från 1/20 till 1/500 s och ett Elmax 3,5 / 50 objektiv. Tack vare precisionen i tillverkningen, den ursprungliga layouten, öppnade denna kamera ett nytt skede inom kameraindustrin och fotografering.
Utvecklingen av fotografisk teknik ledde till skapandet av miniatyrkameror (den första utvecklingen var Minox-kameran från Riga-invånaren V. Zappa, 1935), kameror som använder skivfotografisk film (D. Dilks patent, 1926), kameror för teknisk fotografering i industri och vetenskap (familjen av enheter "Technics "Det tyska företaget" Linhof "och apparaten" Sinar "av det schweiziska företaget med samma namn).
Utbredd användning under andra hälften av XX-talet. fotografiska färgmaterial, såväl som svart-vitt med ökad upplösning, men mindre fotografisk latitud, nödvändiggjorde massproduktion av kameror med automationsanordningar för att styra fotograferingsprocessen. Produktionen av sådan utrustning lanserades under andra hälften av 1950-talet. Efter uppkomsten av kameror med halvautomatisk kontroll ("Agfa Siletta SL", 1956) och en automatisk slutarhastighet ("Agfa Avtomatik 66", 1956), föreslogs design som hade intern exponeringsmätning, punktljusmätning ("Pentax Spotmatic" ”, 1960), lokal ljusmätning (" Leukaflex ", 1965), ljusstyrkemätning vid ett fungerande membran (" Asahi Pentax SP ", 1964), dynamiskt system. exponeringskontroll TTLDM ("Olympus OM-2", 1969).
De första fotografierna krävde en betydande exponeringstid, ibland upp till flera timmar. Åren 1839-1840. L. Ibbetson, som använde en apparat som använde effekten av kalkglöd i en väte-syre låga (Drummond light), lyckades få en daguerreotyp av en bit korall inom 5 minuter, vilket krävde en exponering på mer än 25 minuter när skjuta i solen. År 1854 i Frankrike patenterade Gaudin och Delamar en bengalisk eld som en ljuskälla. Den brännbara blandningen bestod av svavel, salpetersyra kalium och antimon. Det tog bara 2-3 sekunder att få porträttet. Det första framgångsrika försöket att använda elektriskt ljus i fotografi gjordes av F. Talbot, som använde urladdningen från en Leyden-burk för att fotografera ett snabbt rörligt föremål (1851). Fotostudior med elektrisk belysning dök upp i England (1877), Frankrike (1879) och Tyskland (1882). Användningen av starkt aktiniskt ljus som sänds ut under förbränningen av en magnesiumtråd bemästrades av R. Bunsen och G. Roscoe (1859). Det första porträttet från livet med denna källa gjordes av A. Brothers 1864. Begreppet "blixt" har spridits sedan 1886, då magnesiumpulver användes i en blandning med andra komponenter som ökar ljusets intensitet och förkortar antändningsperioden . 1893 utvecklade Schaufer en elektriskt antänd magnesiumblixtlampa, som var en glaskula med en magnesiumtråd fylld med syre. Dess nackdel var möjligheten att förstöra ballongen som ett resultat av expansionen av syre vid höga temperaturer. Designen är uppdaterad. säkra blixtlampor utvecklade i Tyskland av J. Ostermeier 1929, där ballongen var fylld med aluminiumfolie.
1932 föreslog amerikanen G. Edgerton att man skulle använda en återanvändbar elektronisk blixtlampa i fotografi. 1939 gjorde han en blixt baserad på ett xenonrör och utvecklade en metod för att sätta eld på en blixtlampa från en kameraslutare, som sedan fick stor spridning. "Meckablitz 100"-blixten med en transistoromvandlare med konstant spänning, släppt av P. Metz, markerade början på produktionen av elektroniska blixtrör (1958). Sökandet efter ytterligare kontroll av fotograferingsprocessen ledde till uppkomsten av en koordinerad automatisk blixtlampa (Canon Speedlight 155A för Canon AE-1-kameran, 1976), som, när den installerades i hållaren, funktionellt kommunicerade med kameran genom ytterligare kontroll kontakter.

2. Mästare i fotografi

Under dess bildande (1839–1840) ansågs fotografi endast som ett sätt att få exakta kopior från originalet. Representanter för de sköna konsterna har tvetydigt närmat sig det "tekniska" sättet att fixa bilden. Tidig fotografi imiterade målningstekniker i de traditionella genrerna porträtt, landskap och stilleben. D. Hill, J.M. Cameron (Storbritannien), Nadar, A.I. Denier, S.L. Levitsky, A.O. Karelin (Ryssland) och andra.
D. Hill (1802-1870), kallad "den konstnärliga fotografiets fader", var den förste som visade fotografikonstens specifika möjligheter och skapade dokumentära sanna fotografiska bilder.
J. Cameron (1815-1879) - en representant för den romantiska trenden, författaren till underbara porträtt.
Nadars (1820-1910) viktigaste prestation var porträttgalleriet av hans berömda samtida - kompositörer, konstnärer, författare och andra framstående figurer.
A.M. Denier (1820-1892), S.L. Levitsky (1819–1898), efter att ha tagit från målningen färdigheten att analysera mänsklig individualitet, tog ett viktigt steg mot studiet av olika fotograferingseffekter (belysning, etc.) för tillförlitlig överföring av dokumenterade personlighetsdrag hos den person som porträtteras.

Under andra hälften av XIX-talet. tekniska och vetenskapliga framsteg inom fotografi har lett till uppkomsten av nya tekniker som bara är karakteristiska för fotografi. En av förnyarna var den engelske mästaren O. Reilander (1813–1875), som redigerade den allegoriska kompositionen Two Life's Paths (1856) från 30 negativ.
Den engelske författaren L. Carroll (författare till "Alice i Underlandet") erkändes som den bästa mästaren på barnfotografier.
Sedan 1860-talet. tekniken för fältfotografering har spridit sig. Fram till 1920-talet. det utvecklades i en anda av imitation av ett pittoreskt landskap: R. Lamar (Frankrike), L. Misson (Belgien), A. Cayleigh (Storbritannien), etc.
Etnografisk naturfotografi under andra hälften av 1800-talet. satte sig som mål en tillförlitlig fixering av folklivet. Under samma period dök reportagefotografi upp, till exempel fotograferade R. Fenton episoder från fronterna av Krimkriget 1853–1856; Brady, A. Gardner - det amerikanska inbördeskriget 1861-1865, A.I. Ivanov, D.N. Nikitin, M.V. Revensky - det rysk-turkiska kriget 1877-1878. Uppfinningen, sedan förbättringen av fokalplansslutaren, gjorde det möjligt att fotografera rörliga föremål, vilket gav impulser till den fortsatta utvecklingen av reportagefotografering.
I början av XX-talet. i fotografernas verk märks fortfarande inflytandet från olika riktningar i måleriet. Samtidigt växer intresset för tolkningen av den verkliga världens former inom fotografiet. Verken av representanter för denna riktning (det så kallade avantgardefotot) kombinerar formspelet, linjernas pretentiöshet, ljustonsövergångar, orealistiska perspektivkonstruktioner, icke-objektiva kompositioner. Fotografer som fotograferade gammalt gips, sprickor på asfalten, etc., förändrade skalan och texturen till oigenkännlighet, skapade kompositioner i en anda av abstrakt konst. Sökningar på avantgardets väg var inte alltid fruktlösa, de ledde till utvecklingen av sina egna specifika uttryckssätt inom fotografiet, som till exempel användningen av förkortningar, närbilder och mångfacetterade kompositioner. Samtidigt formades principerna för konstnärliga lösningar baserade på fotografiets dokumentära väsen. I många genrer avslöjades fotografiets journalistiska kraft.
Krigsrapportering hade en betydande inverkan på fotografiets vändning mot dokumentära former, mot framväxten av humanistisk fotojournalistik.

3. Ryska fotografer

Grekov öppnade en "konststudie" i S:t Petersburg och publicerade 1841 en broschyr i Moskva "En målare utan pensel och utan färger, tar alla möjliga bilder, porträtt, landskap etc. i sitt verkliga ljus och med alla nyanser inom några minuter." På 1840-talet. den berömda ryske fotokonstnären S.L. Levitsky. Särskilt bra är gruppbilden han tog på ryska författare. 1849 öppnade fotografen en daguerreotypinstitution "Svetopis" i St. Petersburg och 1859 - en verkstad i Paris, som blev en av de bästa porträttsalongerna i Europa. Han har mottagit ett flertal priser på internationella utställningar. S.L. Levitsky var ägare till en guldmedalj för fotografiskt arbete vid världsutställningen i Paris (1851). På 1850-talet. A.I. stack ut. Denier (1820-1892) - en examen från Academy of Arts, som öppnade i St. Petersburg "Daguerreotype institution of the artist Denier" (1851) och publicerade ett album med fotografiska porträtt av kända personer i Ryssland, som inkluderade bilder av berömda Ryska resenärer, vetenskapsmän, läkare, konstnärer, författare. Den sista enastående representanten för ryska fotografer från den tidiga perioden var en annan examen från Academy of Arts V.A. Carrick (ca 1827-1878). Han är känd för sin genre- och artfotografering av bönder i regionerna i centrala Ryssland. Samlingar av V.A. Carrick har visats (utan konkurrens) på internationella utställningar i London och Paris. År 1876 tilldelades mästaren titeln fotograf vid Konsthögskolan.

4. Typer av fotografering

Svartvit fotografering
Svartvita negativa fotografiska material har en annan känslighet för färg än människans syn. Om till exempel föremål med violett och gul färg tas bort på icke-sensibiliserad negativfilm, blir bilden under påverkan av violetta strålar svart, och under påverkan av gul visas den inte och förblir genomskinlig. Vid positiv utskrift (på fotografiskt papper) kommer den lila färgen att återges i vitt och den gula färgen i svart, det vill säga objektets ljusstyrka kommer att förvrängas när tonerna överförs i svartvit fotografering.

Färgfoto
Till skillnad från svartvit fotografering omfattar färg metoder för att få bilder där motivets ljusstyrka och färgegenskaper återges i färger nära naturliga. Utvecklingen av fotomaterial i tre lager gjorde det möjligt att lösa problemet med att få högkvalitativa färgbilder både på film och på fotopapper. Den bygger på möjligheten att få alla färger genom att lägga till ljusflöden av tre primärfärger (röd, grön, blå), eller genom att subtrahera ljusflöden från vitt med hjälp av lager som selektivt absorberar ljus. En av de mest utbredda metoderna för färgfotografering var metoden att erhålla en färgbild på fotografiskt material i flera lager.

Silverhalogen fotografering
Denna typ av fotografering bygger på användning av fotografiskt material: film, fotografiska plattor och fotografiskt papper. Metoden är väldigt dyr!!!

Silverfri fotografering
Egenskaper hos icke-silvermaterial: låg ljuskänslighet, reproducerar dåligt halvtoner och har en "bullrig" bild; det är omöjligt eller svårt att få färgbilder på dem. Silverfritt fotografiskt material används för mikrofilmning, kopiering och duplicering av dokument, visning av information m.m.

Flygplansfotografering
Arsenalen av traditionella bildtekniska hjälpmedel för fotografering och fotografiska dokuments objektivitet begränsas av fotografiska bilders tvådimensionalitet. Svartvitt och färgfotografi, elektrografi och videoinspelning hänvisar till plantyper av fotografering och tillåter inte att representera ett objekt på tredimensionellt sätt - som ögat ser det. Frånvaron av den tredje dimensionen i dessa fotografiska bilder beror på egenskaperna hos vanligt (osammanhängande) ljus, som används vid fotografering.

Stereoskopisk fotografering
Stereoskopisk fotografering omfattar metoder för att erhålla fotografiska bilder, när de ses skapas känslan av deras volymetriskhet (stereoskopicitet). Skillnaden mellan en stereoskopisk bild och en konventionell är att en stereobild består av två (minst) konjugerade bilder Konjugat är bilder som erhålls genom att fotografera samma föremål från punkter som motsvarar ögonens placering, dvs tagna i samma skala, med samma ljusstyrka och sammankopplad med ett enda perspektiv.

Holografi
En bild som är praktiskt taget lämplig för motivet fotografi erhålls med hjälp av holografi - ett speciellt sätt att registrera all information med hjälp av koherenta vågfält. I motsats till konventionell fotografering registrerar holografi i det ljuskänsliga lagret inte en optisk bild av ett objekt, som kännetecknar fördelningen av ljusstyrkan hos dess detaljer, utan ett tunt och komplext interferensmönster av vågfrontsvisningen av ett holografiskt objekt, som bär komplett information om det. Till skillnad från andra typer av fotografering förmedlar ett hologram med fantastisk noggrannhet rumsliga relationer: olika grader av avstånd mellan enskilda objekt från observatören, deras vinkel- och linjära dimensioner, relativ position i rymden; gör det möjligt att se bilder från olika vinklar och få en fullständig illusion av de verkligt övervägda föremålen.

5. Fotogenrer

Utvecklingen och bildandet av fotogenrer fortsatte på ett sätt som liknar andra typer av konstnärligt skapande, med hjälp av deras traditioner. Liksom i konst i allmänhet bestäms genrer inom fotografi av bildens motiv och inkluderar stilleben, landskap, porträtt och genrefotografi (vardagsscener, situationer).

Fortfarande liv (från fransk natur morte, bokstavligen - död natur) - bilden av livlösa hushållsartiklar, attribut för någon aktivitet, blommor, frukter.
Genren stilleben började ta form direkt i och med fotografiets framväxt.
Behärskning av fotografi med sina egna specifika visuella medel, annorlunda än måleri, påverkade också förståelsen av stilleben. Stillebens utbud av föremål och motiv vidgades, den vardagliga verkligheten kring konstnären trängde mer och mer in i den. Inslag av andra genrer dök upp i stillebens ämnen.
Stilleben har hittat en värdig plats i arbetet hos många representanter för världsfotografi.

Landskap (Fransk paysage, från pays - land, område) - en genre där bildens objekt är naturen.
Landskapsgenren, liksom stilleben, började ta form från det ögonblick som fotografiet föddes.
För att skapa mycket konstnärliga verk inom landskapsgenren är det viktigt att tydligt förstå särdragen i uppfattningen av ett fotografiskt landskap. Som ni vet uppfattar vi levande natur med olika sinnen, men främst med syn. Synen är binokulär och ojämförlig med fotografisk, antingen vad gäller täckning, upplevd ljusstyrka eller färgåtergivning.
När man fotograferar ett landskap är en av de viktigaste uppgifterna att förmedla utrymmet på ett övertygande sätt. I naturen ser vi det som kontinuerligt.
I varje landskap finns det alltid ett gemensamt föränderligt element som har exklusiv makt över våra känslor: det här är himlen. Hela världslandskapsupplevelsen vittnar om att en landskapsmålare ska skjuta himlen och ... allt annat.
När ljusa accenter inte är placerade framträder små detaljer för mycket.
Av stor betydelse vid monokrom fotografering är färgen på det papper som används. Det kan stärka eller bromsa våra föreningar.
Dagens fotografiska amatörlandskap lider ofta av omotiverad konventionalitet i bilden, och moderna attribut, som kilar in i naturen, förstör fullständigt dess andliga princip. Denna motsättning kan dock ligga till grund för miljötomter som inte kan lämna vår samtid likgiltig.
Ofta kan ett arkitektoniskt landskap, särskilt vid tanklös förstörelse eller naturlig förstörelse av monument, få värdet av ett historiskt dokument. Kulturens ekologi är ett mycket aktuellt och oerhört viktigt ämne för fotografen, som tydligen borde lösas i några nya i temperamentet, flashiga former.
Också intressanta är fotografiska landskap som organiskt inkluderar en person i alla mångfalden av hans personliga manifestationer.
Landskapsgenren har stor betydelse för visuell självutbildning. På senare tid, då naturbilden värderades högt i måleriet, var skissträning, bildstudie av naturen en självklarhet, även för stora mästare. Dessutom är det nödvändigt för fotografer utan utbildning, tradition och skola. Det vore naivt att förvänta sig att endast genom teknik kan man få en skog att se ut som en skog eller regn efter regn. Naturen måste ständigt studeras fotografiskt och alla möjliga tillstånd måste "passeras igenom" på en tillgänglig natur, för att uppnå sin visuella reproduktion på en positiv grund. Då kommer de omhuldade unika tomterna, i allmänhet sällsynta i en fotografs praktik, att bli mer tillgängliga och frekventa. Inställningen till naturen med tanke på hotet om dess förstörelse, liksom inställningen till kulturminnen, förändras idag. Detta är en förutsättning för ett nytt återupplivande av landskapsgenren, där fotografi har skapat konstnärliga värden utan dess like.
Porträtt har alltid varit en av de mest populära typerna av konst, och under den förfotografiska eran, skriven av en konstnärs hand, var det i allmänhet det enda sättet att fånga en persons utseende, att bevara det i minnet av eftervärlden. Med tillkomsten av daguerreotypi blev det mer tillgängligt och porträttfotografering blev omedelbart mycket populärt, vågade konkurrera, och till viss del framgångsrikt, med måleriet (även om det fick det föraktfulla smeknamnet "målning för de fattiga" av konstnärer).
Om vi ​​pratar om utvecklingen av genren för det fotografiska porträttet som helhet, så är två kvaliteter - djupet av penetration i essensen av den mänskliga karaktären, å ena sidan, och önskan om största möjliga tillförlitlighet av detaljerna som återskapas i fotografiet, å andra sidan, - är grundläggande inneboende i fotografiets hela historia.
I det fotografiska studioporträttet är varianter av denna genre brett representerade. En anhängare av det uttrycksfulla porträttet var M. Sherling: i hans fotografier var människor oftast representerade i en stormig inre rörelse. Det är ingen slump att denna mästare valde som modeller de som är naturligt utrustade med ett kraftfullt temperament.
A. Shterenberg har etablerat sig som porträttmålare-lyriker. Med hjälp av en mängd ljus föredrog han ultranärbilder i fotografier: i dem ser vi i de flesta fall bara huvudet på en person. Ögon spelar en speciell roll i dessa porträtt.

Reportageporträtt ... (händelse, gärningsmän, bröllop)
Studioporträttet utgör nu ena halvan av genren. Den andra hälften av det ges till reportageporträttet, som är en del av dokumentärfotografi. I sådana populära genrer av fotojournalistik som uppsatser, serier, reportage, mer och oftare finns det bilder-porträtt av deltagare i verkliga händelser. Till skillnad från studioverk, där författaren har förmågan att på allvar omvandla en persons externa data med fotografiska medel, finns här en stark dokumentär början.
etc.................

Idag tvivlar ingen av oss på att konstfotografi är en konst som speglar fotografens kreativa vision som konstnär. Men även i början av fotografiets utveckling under flera decennier var den akuta frågan om fotografi kan hänföras till konst eller är det helt enkelt inget annat än ett sätt att registrera och överföra information om världen omkring oss.

Det tog fotografiet i många år att återta sin egen plats i konstvärlden, tillsammans med skulptur, film, måleri och teater. Men nu kan vilken fotograf som helst uttrycka sin inställning till omvärlden och fenomenen genom sådana metoder för fotografering som en vinkel, färg eller valet av fotograferingsögonblicket.

När de första fotografiska trycken dök upp var det ingen som tog fotograferingen på allvar. Hon ansågs bara vara enkel bortskämd och barnslig lek för en begränsad krets av människor. Under de första åren efter starten kunde fotografiet, på grund av tekniska begränsningar, inte göra anspråk på vare sig dokumentär kvalitet, eller något konstnärligt värde, eller frihet för ljuslösningar och fotografens kreativa vision.

På 1800-talet var det en allmän uppfattning att endast konstgjorda verk kunde klassificeras som konst. Följaktligen kunde fotografiska utskrifter som erhölls med olika fysikaliska och kemiska metoder helt enkelt inte göra anspråk på konstens status. Även trots att redan den första generationen fotografer försökte återuppliva kompositionen av sina fotografier med några intressanta tekniker och tillvägagångssätt, fortsatte fotograferingen ändå att förbli en rolig prydnad i den allmänna opinionens ögon.

Fotografi betraktades av den tidens kritiker endast som en mekanisk kopia av verkligheten, som bara kunde vara ett sken av konstnärligt måleri. Fram till 1920- och 1930-talen övervägde artiklar och publikationer på allvar frågan om fotografi är en konst eller är det bara en tillämpad, praktisk färdighet, där nyckelrollen spelas av tekniken, och inte fotografen själv.

Flera perioder kan urskiljas i utvecklingen av fotografiet som konst. Redan i fotografiets gryning skilde det sig inte mycket från måleriet, det vill säga fotografer försökte använda de målariska tekniker som de kände till inom fotografiet. De sköt främst monumentala, orörliga föremål. Dessa första fotografiska tryck tillhörde genren porträtt eller landskap. Dessutom, på grund av framväxten av tidningsbranschen på 1800-talet, har fotografi ockuperat nischen med enkla dokumentära bevis för vissa händelser. Vi kan säga att det på den tiden fortfarande inte pratades om fotografiets uttrycksfullhet och konstnärskap. När blev fotografi egentligen konst?

Förmodligen kan inget exakt datum anges. Men historiker av fotografisk konst markerar en betydande händelse för sig själva som hände 1856. Sedan gjorde svensken Oscar G. Reilander ett unikt kombinerat tryck av trettio olika retuscherade negativ. Hans fotografi, med titeln "Two Roads of Life", tycktes beskriva den uråldriga sagan om två unga människors inträde i livet. En av huvudkaraktärerna på bilden vänder sig till olika dygder, barmhärtighet, religion och hantverk, medan den andra tvärtom bärs med av sådana synda nöjen i livet som spel, vin och omoral. Detta allegoriska fotografi blev omedelbart allmänt känt. Och efter utställningen i Manchester förvärvade drottning Victoria själv fotografiet av Reylander till Prins Alberts samling.

Detta kombinerade fotografi kan med rätta hänföras till ett av de första oberoende verken med anknytning till fotografi. Oscar G. Reilanders kreativa tillvägagångssätt byggde naturligtvis på den klassiska konsthistoriska utbildning han fick vid den romerska akademin. I framtiden förknippas olika experiment med fotomontage, med utveckling av dubbelexponering och med fantastisk multi-exponeringsfotografering med hans namn.

Fallet Reylander fortsattes av den begåvade konstnären och fotografen Henry Peach Robinson, som blev känd för sitt kombinerade foto "The Leaving", gjord av fem negativ. Detta konstfotografi visar en flicka som dör i en fåtölj med sin mamma och syster som ledsna står över henne, och hennes pappa tittar ut genom det öppna fönstret. Bilden "Leaving" kritiserades för att förvränga sanningen, men den blev ändå allmänt känd. Det förvärvades omedelbart av det engelska kungliga hovet, och kronprinsen gav till och med Robinson en stående order på ett tryck av ett sådant fotografi.

"Utgående". G.P. Robinson

Robinson blev själv den ledande exponenten för så kallat bildfotografi i England och Europa. Denna fotografiriktning hade en dominerande ställning inom fotografiet fram till 1900-talets första decennium. Många bildeffekter och tekniker användes vid bildfotografering.

Det måste sägas att fotografering under lång tid inte kunde lämna "skuggan" av målning. Utvecklingen av fotografiet som en självständig konst i början av förra seklet underlättades dock till stor del av regelbundna utställningar, där åskådarna tillsammans med enkla vackra bilder kunde se intressanta fotografier som förtjänar titeln "konstnärligt arbete". En av de första sådana internationella utställningarna var fotogalleriet med det blygsamma namnet 291, som öppnades av Alfred Stiglitz 1905 i New York. Det var en riktig utställning av samtidskonst, där namnen på kända konstnärer var i nivå med fotografer.

I början av 1920- och 1930-talen började en ny period inom fotokonsten, direkt kopplad till massutgivningen av tidningar och tidskrifter. Fotografi ändrar stil till förmån för dokumentär- och reportagefotografering. Det dokumentära och konstnärliga förverkligandet flätades gradvis samman i fotografiet till en helhet. En ny generation fotografer dök upp som genom reportage och dokumentärfotografering dagligen gjorde sitt lands och hela världens historia. Under denna period inom fotografiet var konstnärlig uttrycksfullhet med en ideologisk och social komponent nära sammanlänkad.

Fotografi blir en bärare av en viss historisk sanning, en återspegling av verkliga händelser. Det är inte utan anledning som olika affischer, fotoalbum och tidningar var av särskilt värde under 1920- och 1930-talen. Det var under dessa år som samhällen och sällskap av fotografer började uppstå, som försökte göra fotografiet till en självförsörjande form av konst.

I vårt land var dock dessa positiva processer i slutet av 30-talet faktiskt frysta. Järnridån isolerade rysk fotografi från trender i det internationella konstnärslivet under lång tid. Begåvade sovjetiska fotografer tvingades bara syssla med socialistisk realistisk fotografi. Under andra världskriget besökte många av dem stridsfronterna och lyckades fånga minnesvärda ögonblick av den stora segern på film.

På 60- och 70-talen började fotografier återigen betraktas som självständiga konstverk. Detta är fotorealismens era och vågade experiment med olika fotografiska teknologier och konstnärliga tekniker. Från och med denna tidsperiod fick alla fotografiriktningar, som var i utkanten av allmänhetens uppmärksamhet, äntligen rätten att presenteras som ett självständigt konstnärligt värde i konsten. Nya fotogenrer dyker upp, där författarens avsikt och fotografens kreativa vision blir nyckelögonblicket. Dåtidens välkända fotografer började i sina konstverk beröra sådana ikoniska sociala problem som social ojämlikhet, fattigdom, exploatering av barnarbete och många andra.

Vi är skyldiga nästa revolution inom fotografi till övergången från film till digitalkameror. Det digitala bildformatet har gjort det möjligt för fotografer att ta sig bort från en enkel spegelbild av verkligheten runt dem. Med tillkomsten av digitalkameror, datorer och grafiska redaktörer kunde fotografen förvandla sina bilder på ett sådant sätt att betraktaren fick möjlighet att bekanta sig med den kreativa visionen hos skaparen av bilden och fördjupa sig i hans surrealistiska värld . Även om fotografering har blivit ett massfenomen nuförtiden, för fotografering som konst, är selektivitet och en speciell personlig "vision" fortfarande viktiga, vilket gör att en person kan skapa ett verkligt konstverk med hjälp av fotografiska medel.

Trots att man med en digitalkamera kan ta flera hundra bilder på några minuter, så kan förstås inte varje bildruta klassas som konstnärlig. En modern fotokonstnär uttrycker sin vision av världen eller författarens avsikt genom ett förkortande, skickligt spel av ljus och skugga, ett känsligt val av fotograferingsögonblick och andra tekniker. Därmed förblir fotografen, inte teknikern, i hjärtat av fotokonsten. Endast en person kan sätta en del av sin inre värld i en bild, så att bilden "växer" med nya känslor och avslöjar talangen hos fotografen själv.

Den första fasta bilden togs under året av fransmannen Joseph Nicéphore Niepce, men den har inte överlevt till denna dag. Därför anses det första fotografiet i historien vara "vyn från fönstret" som Niepce tog 1826 med hjälp av en plåt täckt med ett tunt lager asfalt. varade åtta timmar i starkt solljus. Fördelen med Niepce-metoden var att bilden präglades (efter etsning av asfalten), och den kunde enkelt reproduceras i valfritt antal kopior.

Konstnärer reagerade på fotografiets uppfinning på olika sätt. Den största stötestenen i debatten om fotografiets konstnärliga natur och fotografens roll som konstnär, skapare av ett konstverk, har blivit en extraordinär noggrannhet i att förmedla detaljer, en noggrannhet som den skickligaste målaren inte kunde konkurrera med . Vissa välkomnade entusiastiskt ljusmålning, andra såg tvärtom i kameran ett föremål som impassivt fångar verkligheten utan någon användning av mänskliga händer. Men i början av sin existens låtsades fotografiet inte vara ett konstverk, och fram till slutet av 1840-talet kan man inte tala om avsiktlig fotografering.

3. Fotografering av arkitektoniska strukturer

Detta är en genre av fotografi som visar byggnader och deras komplex, broar etc. Som regel syftar den till att få ett dokumentärt fotografi, som skapar den nödvändiga representationen av utseendet på objektet som fotograferas eller dess detaljer. Det är detta som avgör den övergripande sammansättningen av ramen, perspektivet och förhållandet mellan planerna. I stadsmiljöer, i avsaknad av tillräckligt utrymme, underlättas valet av a avsevärt genom användningen av en vidvinkel- eller ultravidvinkellins.

5. Fotografera sport och rörliga föremål

En egenskap hos sådana fotografier är rörelsehastigheten. Det är viktigt att visa dynamiken i rörelse. Sport fotograferas endast med korta exponeringar - inte mer än 1/100 sek, och ofta 1/500 - 1/1000 sek. Sådan fotografering kräver kameror utrustade med snabba slutare och snabba objektiv.

6. Filma barn

Det finns små likheter med att fotografera barn och sport. Detta är impulsivitet. Barn sitter inte stilla, så det enklaste sättet är att fotografera barn som är upptagna med något (titta på en pjäs, lyssna på en saga, leka). I dessa ögonblick fokuserar barn inte sin uppmärksamhet på en obegriplig intressant "sak" nära ditt ansikte, de absorberas. Det är bara en skattkammare av intressanta uttryck! :)

7. Och slutligen - reportageskjutning

Detta är den så kallade metoden för att fånga en händelse utan att störa dess naturliga förlopp. är en serie bilder tagna under en händelse, när fotografen är begränsad av tiden och scenariot för vad som händer. Därmed sätter reportaget fotografen i en viss tidsram och scenario. Reportagemetoden för fotografering utesluter regi, även om fotografen i vissa situationer kan provocera människor eller situationen lite. Men detta händer inte ofta - konsten att rapportera är att, utan att rikta ett skott, skjuta det improviserat, under handlingens gång, för att exakt hitta en punkt, en plan, ett ögonblick.
Enligt min mening är den idealiska fotograferingen av denna genre en som skulle kunna illustrera vilket ämne som helst i nyheterna under rubriken "inga kommentarer". Ögonblicksbilden borde tala för sig själv.

Fotokonstnärer

Personer som är med och iscensätter konstnärliga fotografier kallas för fotokonstnärer.
Han, till skillnad från bara en fotograf, ägnar särskild uppmärksamhet åt speciella medel. Människor som är involverade i produktionen av konstnärliga fotografier kallas fotokonstnärer.
Han, till skillnad från en enkel fotograf, ägnar särskild uppmärksamhet åt speciella produktionsmedel, tillämpar vissa tekniker (val av ljussättning, kompositionsteknik, effektoroptik, efterproduktion etc.).

Alltså - belysning

Fotografer vet att om ljuskällan är bakom den är ramen platt. Perfekt för, säg, landskap är ljus från sidan (baksidan eller framsidan).
Om vi ​​pratar om inspelningstiden, då helst, naturligtvis, kväll och morgon. Vid denna tidpunkt är ljuset mjukare och mer diffust. När solen står i zenit är färgtemperaturen märkbart högre och dess spektrum domineras av blått och blått; i morgon- och kvällsljus, som nämnts ovan - gult och orange, och i skuggorna - från blått till blått.